Genere: horror, commedia
Durata: 90′
Regia: Eli Roth
Con: Patrick Dempsey, Addison Rae, Milo Manheim, Jalen Thomas Brooks, Nell Verlaque, Rick Hoffman e Gina Gershon
La cittadina di Plymouth, in Massachusetts, è sconvolta da una terribile tragedia avvenuta all’interno di un centro commerciale durante il Black Friday.
Un anno dopo, durante i festeggiamenti del Thanksgiving, un misterioso e feroce serial killer comincia ad torturare e uccidere la popolazione locale, seguendo un grottesco piano di vendetta e prendendosela soprattutto con un gruppo di ragazzi, che evidentemente nascondono a loro volta uno scomodo segreto. Quelli che iniziano come omicidi casuali per vendetta si rivelano presto parte di un più ampio e oscuro piano legato alle festività.
Ispirato al fake trailer realizzato da Eli Roth per Grindhouse, Thanksgiving è un horror un po’ splatter e un po’ grottesco in vera tradizione Tarantino – Rodriguez.
In controtendenza rispetto a questi ultimi anni in cui il cosiddetto “elevated horror” sembra andare per la maggiore, questo lavoro di Roth ci fa ritornare invece ai tempi delle saghe horror da tradizione americana, alla Scream per intenderci, con protagonisti adolescenti, attacchi prevedibili e carichi di sangue e urla.
Il leitmotiv alla base però rimane una divertente e leggera satira sul consumismo americano, dove i primi bersagli sono proprio i figli di papà.
Il film uscirà in tutte le sale dal 16 novembre e sarà distribuito da Eagle Pictures.
Con i versi in scots del poeta Robert Burns, proseguiamo la lista dei film dell’orrore interrotta settimana scorsa; incubi di celluloide, “Dal profondo della notte” (1984), per chi desiderasse trascorre un 31 ottobre insonne.
À l’intérieur d i Alexandre Bustillo e Julien Maury, FRA, 2007
“Ebbene, non potevo aspettarmi un simile avversario. Senza contare però le sue particolarità, ciò che avviene è soltanto una cosa che avrei dovuto temere sempre, contro la quale avrei sempre dovuto prendere provvedimenti: qualcuno, cioè, si avvicina! Come è stato possibile che per tanto tempo tutto procedesse felicemente e in silenzio? […]Perché sono rimasto tanto tempo protetto e incontro ora tanta minaccia? Che cos’erano mai quei piccoli pericoli che passavo il tempo a considerare in confronto di questo!”
Franz Kafka, La tana
Che cosa aggiungere? Ogni parola sarebbe superflua, perché nel lungo estratto dell’autore de “Il castello” (1926) è già racchiuso l’intimo significato dell’opera prima dei due registi francesi: la supposta inattaccabilità del quotidiano – Atm – “Trappola mortale” di David Brooks (2012) – nella cui quiete apparente si cela l’angoscia per l’estraneo – La mano sulla culla” di Curtis Hanson (1992).
Sarah è una fotoreporter al nono mese di gravidanza. Qualche mese prima, ha causato un grave incidente stradale in cui il marito ha preso tragicamente la vita.
Il giorno precedente al parto, la viglia di Natale, la futura mamma trascorre la notte da sola. Mentre sonnecchia sul divano, una donna bussa alla sua porta, in cerca d’aiuto. Ma quella che sembra essere un’innocua sconosciuta, presto si rivela una conoscenza letale. Intrufolatasi nell’edificio, infatti, la donna inizia a darle la caccia. Gore d’assedio che capovolge la consueta formula del sotto-genere – l’aggressore è già dentro casa. Un gioco al gatto con il topo, che ha come terreno di caccia i corridoi dell’abitazione, mentre fuori, a Parigi, infuria la rabbia delle banlieue. Un’esistenza tranquilla quella della protagonista (nonostante il lutto), sconvolta da una brutale violenza, ancor più atroce perché (apparentemente) senza ragioni. Almeno fino all’agnizione finale, che rimescola le carte in tavola, svelando lo stretto legame (di senso) tra il lungometraggio di Bustillo-Maury e il racconto di Kafka.
La “tana”, difatti, è la villetta in cui la fotografa vive, un rifugio dal mondo, dai suoi pericoli, ma anche l’utero in cui riposa il bambino. Luoghi inviolabili tramutati nel teatro dell’orrore – un GrandGuignol!-, presi d’assalto da un “avversario” ignoto. Dall’esterno, terrore e paura penetrano à l’intérieur, nella casa e nel grembo di Sarah. Ed è così che un’effrazione con scasso sradica l’illusoria sicurezza della società contemporanea, insinuando, al suo posto, il timore per l’altro, per l’intruso; perché è proprio all’internoche siamo più vulnerabili.
Mama – La madre di Andrés Muschietti, SPA/CAN, 2013
“La parola più bella sulle labbra del genere umano è Madre,
e la più bella invocazione è Madre mia.
È la fonte dell’amore, della misericordia, della comprensione, del perdono”
Khalil Gibran, Madre
La mamma è sempre la mamma, perfino quando il suo corpo dissecato fluttua a mezz’aria, quando le sue dita scheletriche ti sfiorano i capelli e la sua bocca contorta gracida il tuo nome…
Jeffrey corre sulla strada innevata. Sui sedili posteriori Victoria e Lilly, le figlie di tre e un anno.
Raggiunto uno chalet tra i boschi, l’uomo è deciso ad uccidere le bambine. Prima che possa farlo, però, un essere mostruoso lo assale, torcendogli il collo.
Cinque anni dopo, quando vengono ritrovate, le bambine sono delle selvagge.
Lucas, il fratello di Jeffrey, assieme alla fidanzata Annabel, decide di prendersene cura, pur conoscendo le difficoltà del caso. Cresciute in solitudine, infatti, le ragazzine soffrono di disturbi del comportamento, ubbidendo soltanto ad una creatura immaginaria chiamata “Ma-ma”. Ma è davvero il frutto della loro fantasia? Eppure, in casa, si avvertono strani rumori… Ghost story minacciosa, ricca di suspence – la scena “biforcuta” tra la cameretta e il corridoio, chiaro riferimento a “Marnie” di Alfred Hitchcock (1964). Un incedere strisciante – come i movimenti di Lilly – e un’atmosfera tetra per una pellicola che affronta le ambasce della maternità, da sempre argomento privilegiato dell’horror – dall’intramontabile “Rosemary’s Baby – Nastro rosso a New York” di Roman Polański (1968) fino al sorprendente esordio alla regia di Ari Aster, “Hereditary– Le radici del male” (2018).
Due genitori “degeneri”: Annabel (Jessica Chastain), la bassista insofferente alle responsabilità, e “Madre”, il fantasma suicida del XIX secolo. La prima inadatta al ruolo, la seconda alla ricerca spasmodica di un figlio. I timori della donna e l’amour fou dello spirito. Maternità adottive diametralmente opposte: la rocker imparerà dai suoi errori, stringendo a sé (letteralmente) Victoria e Lilly, “Ma-ma”, al contrario, resterà prigioniera della sua stessa gelosia.
Entrambe, tuttavia, dimostrano come una madre sia disposta a tutto per i propri bambini, persino sfidare la morte.
Requiem for a review
Un’immagine dal Predator di Shane Black
Ma se le figure sullo schermo vi apparissero come “Demoniache presenze” (1982); o ancor peggio, se “La Casa” (1981) in cui abitaste iniziasse a sembrarvi spettrale, lugubri gli scricchiolii lungo i corridoi – “Amityville Horror” di Stuart Rosenberg (1979) -, sinistri i cigolii degli infissi – “La casa dalle finestre che ridono” di Pupi Avati (1976) -, in quel caso, allora, il consiglio è di cambiar aria, raggiungere la sala più vicina, comprare un biglietto e distrarsi con l’ultimo capitolo della saga dedicata ai predatori dello spazio: “The Predator” di Shane Black – già sceneggiatore di “Arma letale” (1987).
Un buon reboot del classico anni ’80, con un ritmo serrato – le sequenze action tra i boschi -, qualche buonismo di troppo– il riscatto di Rory, il figlio autistico del protagonista, “cacciatore” per una notte (quella di Halloween) – e un’abbondante dose d’ironia – “A cosa assomiglia [il Predator]?… Hai presente Whoopi Goldberg”.
Un film che pur “catturando” lo spettatore non riesce a trattenerlo: catch and release…in attesa del sequel.
P.S.
“Quello che spaventa me è quello che spaventa te. Temiamo tutti le stesse cose. Ecco perché l’horror è un genere così potente. Tutto quello che devi fare è chiederti cosa ti spaventa e saprai cosa mi spaventa.”
“La notte delle streghe” (1978) si avvicina; no, tranquilli, il vostro giugulare è al sicuro, Michael Myers è ancora rinchiuso nel manicomio di Smith’s Grove – almeno fino al prossimo 25 ottobre, quando in Italia uscirà in sala l’ultimo capitolo della saga dedicata ai massacri dell’UomoNero (“Halloween” di David Gordon Green) -, ad appressarsi, invece, è la ricorrenza celtica più diffusa al mondo, Halloween.
Per trascorrere un “Tranquillo weekend di paura” (1972) – visto il lungo “ponte” che si prospetta per la “festa dei morti” -, ecco a voi una breve lista di quattro film dell’orrore – “rigorose” scelte di gusto (il mio) -, per spaventarsi e divertirsi in compagnia… o da soli, per i più coraggiosi.
Chiudete il libro di Mayne e spaparanzatevi sul divano; affondate una mano nei pop-corn e allo scoccar della mezzanotte – del 31 ottobre s’intende, ovviamente – schiacciate play.
Scary Halloween!
Al lettore (im)paziente…
Ogni elenco (cinematografico) che si rispetti non può che iniziare con un lungometraggio d’antan, una vecchia pellicola, con cui un recensore ostenta le proprie conoscenze – enciclopediche, senza dubbio. Ahimè, anch’io non posso sottrarmi… “Oh, vanità dell’arte!”. Le abitudini (critiche) sono dure a morire, “trappole di cristallo” (1988): senza accorgercene, siamo già stati catturati.
The Wicker Man– L’uomo di vimini di Robin Hardy, GBR, 1973
“Tantum religio potuit suadere malorum”
Lucrezio, De rerum natura
Un mostro (sacro) del brivido, ChristopherLee – da “Dracula il vampiro” (1958) a “La maschera di Frankenstein” (1957), entrambi diretti da Terence Fisher, “maestranza” gotica al servizio della Hammer Film-, un totem dell’horror, dicevo, per un classico del genere.
Rowan Morrison è scomparsa da una remota isola delle Ebridi. Dalla terra ferma, il sergente Howie si mette sulle tracce della bambina, ma la comunità locale, guidata dall’eccentrico Lord Summerisle (Christopher Lee, appunto), non sembra voler collaborare. Che cosa provoca la loro diffidenza? Potrebbero essere le misteriose usanze pagane del villaggio? Oppure i baccanali orgiastici sulla spiaggia? O è forse il sacrificio programmato per Calendimaggio? Questa volta, però, l’olocausto di un agnello non sarà sufficiente a placare l’ira degli dei, perché solamente il sangue umano potrà benedire l’imminente festa del raccolto.
Qualche granello di polvere – vezzi di un cinema d’altri tempi (l’invadente colonna sonora) – non può offuscare il fascino del film di Robin Hardy. In un paesaggio mozzafiato – gli arcipelaghi scozzesi -, si scontrano due filosofie di vita: il puritanesimo bacchettone della Gran Bretagna anni ’70 e la sensualità sfrenata di una società (segreta) estranea ai costumi dell’epoca – incarnazione sfacciata della liberazione sessuale dei figli dei Beatles e degli Stones. Atmosfere suggestive – tra capanne di pescatori e stornelli triviali -, humour britannico e un finale “incandescente”; una carnevalata alla Ensor – “Skeletons Fighting for The Body of a Hanged Man”(1891) – che mette a confronto cristianesimo e paganesimo celtico, sacrificio rituale – di Rowan, vittima (per nulla) innocente – e martirio per la fede – di Howie, cavaliere di Cristo costretto a subire il supplizio degli antichi Galli -, “dando alle fiamme” le contraddizioni insite in ogni religione.
The Blair Witch Project– Il mistero della strega di Blair di Daniel Myrick ed Eduardo Sanchez, USA, 1999
“The content of this painting is invisible; the character and dimension of the content are to be kept permanently secret, known only to the artist”
Mel Ramsden, Secret Painting
Secret Painting di Mel Ramsden
Caposaldo del found-footage horror – in grado di stabilirne le regole a quasi vent’anni dalla nascita (“Cannibal Holocaustdi” Ruggero Deodato, 1980). “Progetto” ambizioso e raro esemplare di trans-media storytelling: un immenso apparato paratestuale – dalle interviste a finti detective ai missing poster affissi sulle bacheche del campus universitario frequentato dai tre attori protagonisti -, un vasto corpus extra-diegetico quindi, che, durante la primissima proiezione del film, convertì l’impressione di realtà in illusione collettiva, persuadendo il pubblico in sala della veridicità degli eventi raccontati – il treno dei fratelli Lumiere è di nuovo in stazione! Una geniale trovata di marketing che celebrò il matrimonio tra una minuscola produzione indipendente e gli incassi multimilionari di un blockbuster.
Alla ricerca di prove sull’esistenza della strega di Blair, una troupe amatoriale di documentaristi si perde nei boschi del Maryland. Tutto qui, nient’altro.
Una pellicola “cieca” – le sequenze notturne sono illuminate approssimativamente, frammentando la percezione dei fatti -, “ieratica” – nella ripetizione ciclica dell’azione (il vagabondaggio dei
personaggi) -, “ipnotica” – dove sussurri, pianti e urla compongono una litania sonora che acuisce la tensione. Non solo, come in una “tela nera”, il visibile è annullato, eppure ciò non significa arrendersi all’insensato ma spalancare la porta dell’immaginazione. Così, mentre l’angoscia si autoalimenta, è possibile accorgersi delle somiglianze tra TBWP e il “Secret Painting” di Ramsden (di cui il primo sembra la trasposizione cinematografica). Infatti, l’opera dell’artista britannico – un quadro totalmente nero, affiancato dalle parole riportate nell’esergo- da una parte relega sullo sfondo la figura dello spettatore, ma dall’altra gli conferisce un potere inaudito, quello dell’interpretazione libera, un’attività creatrice il cui unico vincolo è la fantasia
Spente le luci, l’incipit del mockumemnteary ci ricorda che: “Nell’ottobre del 1994 tre studenti videoamatori scomparvero in un bosco nei pressi di Burkittsville, mentre stavano girando un documentario. Un anno dopo fu ritrovato il loro filmato”… bene, «adesso è il vostro turno», pare sfidarci il film, «siete voi gli sceneggiatori, scrivete la storia, inventate il resto: il limite sono i vostri incubi».
2005, Ararat (Australia).
Improvvisamente mancata all’affetto dei suoi cari all’età di sedici anni,
Alice Palmer.
Ne danno doloroso annuncio i genitori Russell e June, e il fratello Mathew.
2008. A tre di distanza, la famiglia Palmer rivive il lutto davanti all’obiettivo di una macchina da presa.
Con voce tremante e occhi lucidi, raccontano la loro storia, quella di oscure presenze che, dal giorno dell’annegamento della figlia, infestano la casa; la ricerca, con l’aiuto di un medium locale, delle reali cause della morte di Alice; la tragica scoperta di un destino già segnato. Passo dopo passo, immagine dopo immagine, nello sgranato 35mm che ricostruisce l’intera vicenda.
Il mockumentary utilizza il linguaggio specifico del documentario per presentare eventi finzionali come fossero reali. La definizione è importante, se, come spesso accade, si confonde questo sotto-genere con il suo sosia: il foundfootage. In ambito horror – quello che con maggior disinvoltura ha sfruttato tali tecniche -, “Behind the Mask – Vita di un serial killer” di Scott Glosserman (2006) è un ottimo esempio di falso documentario, al contrario di un film come ParanormalActivity di Oren Peli (2007), totem del “metraggio ritrovato” – letteralmente: le pellicole in questione, infatti, sono da considerarsi come rinvenimenti (diegetici, naturalmente) di filmati amatoriali. Dettagli, penserete, certo, ma è la critica a vivere di dettagli.
Un’immagine tratta dal film
In tal senso, “LakeMungo” (dal “lontano” 2008) incarna alla perfezione il modello documentaristico: interviste, inserti di (presunto) materiale d’archivio, ricostruzione dei fatti. Ma è soltanto l’aspetto formale, perché sotto la scorza del realismo d’inchiesta batte un cuore di tenebra: “l’(h)orrore”…
Una claustrofobia ghoststory –già dai titoli di testa, spettri fotografici -, con un intreccio mystery alla “TwinPeaks” (di David Lynch, 1990-1991) – il paesino del bush ritratto come un covo di vipere e l’innocente ragazza con un un lato oscuro (Alice/Laura Palmer).
La tensione è palpabile, l’angoscia strisciante; l’inquietudine raggela il sangue e penetra nel paesaggio – “WolfCreek” di Greg McLean (2005) -, deformandolo – il desertico lago Mungo, un cratere marziano. Un’opera disturbante, che affronta un tema delicato, l’elaborazione del lutto, senza alcuna retorica. Superare la perdita è possibile, anche se complicato: come fa Mathew, manipolando la realtà per serbare il ricordo di Alice, o June, evocando lo spirito della figlia con l’aiuto di un medium.
E come se non bastasse, Joel Anderson (il regista) impreziosisce il proprio lavoro con una riflessione metatestuale. Nei video e nelle foto di Mathew, infatti, fotogramma dopo fotogramma, lo statuto ontologico delle immagini viene messo in discussione, rilanciando la posta in gioco – la morte di Alice -; fino ai titoli di coda, che conferiscono alla storia un significato ulteriore – o forse lo compiono, come in “Moonrise Kingdom– Una fuga d’amore” di Wes Anderson (2012). Ogni fotografia è un’illusione, un fantasma: tracce di ciò che un tempo esisteva e che adesso è svanito. Menzogne, spettri. Ombre della verità, come nel mockumentary, come nella vita.
Viago, Vladislav, Petyr e Deacon sono vampiri. Insieme, condividono una grande casa polverosa alla periferia di Wellington (Nuova Zelanda), dove i loro giorni si trascinano identici ai secoli andati della trasformazione in non morti. Nonostante Deacon non lavi i patti da cinque anni e Petyr si astenga dalle faccende quotidiane sonnecchiando in un sepolcro di pietra in cantina, convivono in armonia. Durante un banchetto, però, la portata principale, lo studente universitario Nick, viene tramutata per sbaglio in uno strigoi. Dal quel momento iniziano i guai per i coinquilini infernali, costretti loro malgrado a fare i conti con gli usi e i costumi del nuovo millennio.
Sono trascorsi ormai quattro anni da quando “What We Do in the Shadows – Vita da vampiro” (2014) ha vinto il premio per la miglior sceneggiatura al Torino Film Festival. Quattro anni in cui l’immaginario cinematografico vampiresco – Underworld – Blood Wars di Anna Foerster (2016) -, così come nei quarant’anni precedenti (e ancora più indietro, fino agli albori della settima arte stessa), è rimasto immutato; quattro anni, tuttavia, in cui il regista Taika Waititi – qui coadiuvato dall’amico di lunga data Jemaine Clement – ha cambiato pelle, passando da star locale – Boy(2010), film campione d’incassi in Nuova Zelanda – ad autore hollywoodiano di grido – grazie alla sceneggiatura di “Oceania” (2016) e alla regia di “Thor: Ragnarok” (2017).
Raffinati dandy in cerca d’amore e potere – si veda il “Dracula di Bram Stoker” di Francis Ford Coppola (1992), a cui il personaggio di Vladislav, l’impalatore sconfitto dalla “Bestia”, fa chiaro riferimento -; giovani belli e dannati tormentati da dilemmi morali – come nella saga di “Twilight” (2008-2012) -; incarnazione del Male assoluto alla ricerca di vergini da dissanguare – il “Nosferatu” di Murnau (1922), a cui è ispirato un altro personaggio della pellicola, Petyr, un novello Max Schreck, con la fronte sporgente e i denti aguzzi (e quell’abulia esistenziale che non può che ricordare l’omonimo herzoghiano del (1979) -: i vampiri di celluloide sono foggiati su questi e pochi altri modelli. L’opera di Waititi, al contrario, ha il merito di ripensare la figura del principe della notte, riuscendo a rianimare un corpo “morto”, privo, cioè, di spunti originali.
Il cast del film , il primo a destra è Jemaine Clement
Sfruttando la tecnica del mockumentary, il lungometraggio vira sui toni leggeri della commedia. Pur preservando il milieu tradizionale – interni fatiscenti (alla Edgar Allan Poe), abbigliamento eccessivo, canini esposti -, il cineasta neozelandese riesce comunque a rielaborare l’immagine del vampiro, impiegando l’ironia per mettere in scena una combriccola di succhiasangue alle prese con le difficoltà dell’era Skype. Un gruppo d’amici sfigati cacciati dai locali alla moda – quanto siamo lontani dal glamour di “True Blood” ! -; imbranati informatici – le sequenze al computer – in una periferia squallida e ai confini del mondo, il cui unico passatempo è importunare garbati lupi mannari.
Giovani aspetti, anime antiche, “vecchi” amori mortali – Viago e la sua bella novantenne – e digitaldivide, “What We Do in the Shadows” è questo e molto altro ancora: una parodia degli abitanti della notte che azzanna al collo i vampire movie, iniettando sangue fresco in un immaginario anemico.
Il remake di “Suspiria” è l’ultimo film di Guadagnino ed è diviso in sei atti più un epilogo. Una una ragazza (Dakota Johnson) appartenente ad una comunità Amish dell’Ohio emigra nella Berlino Est degli anni 70 per coronare il suo sogno di essere ammessa in un collettivo di danza contemporanea, che si rivelerà essere in realtà un pericoloso gineceo dedito ad arti occulte. Tutto intorno intanto il male nel mondo prende le forme più prosaiche del terrorismo di quegli anni, incarnati dalla banda Baader-Meinhof e gli strascichi dell’orrore nazista con le sue persecuzioni ed i campi di sterminio.
Il ballo è da sempre l’elemento scatenante dell’istintualità umana più basica e quindi è opportuno veicolo di liberazione ma anche di trasgressione e per questo una scuola di danza risulta un corretto alveo dove riambientare il rito ctonio di arcaici ed oscuri poteri. Fuori dalla scuola, grigia e fredda, c’è una Berlino perennemente percossa da una pioggia battente quasi ne dovesse dilavare gli imperdonabili peccati del trascroso hitleriano, che negli anni settanta era ancora recente. Le inquadrature, la fotografia, i costumi, la scenografia insomma tutta la parte tecnica è sapiente ed ineccepibile. Impeccabile è anche la recitazione di Tilda Swinton, una della insegnanti della scuola e capo di una delle fazioni in cui il collettivo è diviso. Adeguata è anche la prova dei rimanenti attori del cast (anche se dopo questo film si è capito che il talento principale di Dakota Johnson, più della recitazione e senz’altro più del ballo, è quello di essere nata dopo suo padre Don Johnson). Eppure qualcosa non va, c’è un incantesimo fin troppo visibile che rovina il film, questo come molti altri, e che è imputabile alla scrittura.
Tilda Swinton
Premesso che una volta sospesa l’incredulità quel tanto per ammettere una fuga al contrario dagli USA alla Germania dell’est, anche le streghe e tutto ciò che ne consegue risulta plausibile, bisogna essere amanti della danza contemporanea, spesso piuttosto ermetica e che permea abbondanti porzioni della proiezione, per affrontare le due ore e trentadue minuti del film. I più fortunati sono gli attori che vengono tolti di mezzo prima della fine del film, soprattutto quelli che se ne vanno prima del quarto atto, quando tutto si ingarbuglia irrimediabilmente, la narrazione perde di focus e direzione e ci si rende conto che Amazon Studios ha immense fonti finanziarie, ma queste non bastano a fare un buon film. Per fortuna non ha niente a che vedere con il “Suspiria” di Dario Argento e se ne rallegrino , oltre al celebre decano dell’horror, anche gli appassionati del genere.
Dakota Johnson (al centro)
C’è un eccessivo compiacimento delle coreografie di danza che ad un certo punto prendono il sopravvento sulla storia senza che abbiano alcun costrutto a beneficio del racconto. Durante un paio di scene, talmente fuori contesto e naif, si scatena in sala un’ilarità non voluta che genera un certo imbarazzo. All’interno della trama è poi inserito un film nel film, una storia d’amore sullo sfondo dell’olocausto che guadagnino sembra voler contrabbandare all’insaputa della produzione. Un tema al quale dedica l’intero epilogo e addirittura l’immagine finale del film, come a dichiarare quali fossero le sue vere intenzioni: fare un film sulla danza e gli strascichi dell’olocausto. E’ un epilogo con un tardivo “spiegone” che non fa chiarezza sulla confusa genesi della setta e che serve forse a scusarsi con il pubblico ma soprattutto con Dario Argento.
È un giorno cruciale per Claudio. Il giorno della fusione, mancano solo le firme. Uscito di casa, raggiunge l’ufficio. In ascensore, però, rimane bloccato. Tra il sesto e il settimo paino, resta in attesa; ha fretta, ha un affare importante da concludere. Nervoso, riceve una chiamata dalla moglie: la città è impazzita, gli dice, le persone fanno cose strane, una giornalista è stata appena aggredita in diretta tv. Non è niente, vedrai, la tranquillizza l’uomo, andrà tutto bene… ma si sbaglia.
Mentre “fuori” un’apocalisse batteriologica ha trasformato la popolazione della Capitale in morti viventi, “dentro”, nell’ascensore, Claudio deve affrontare l’inferno, resistere all’assedio dei colleghi affamati della sua carne. Riuscirà a sopravvivere o sarà la (sua) fine?
È evidente ormai, il cinema italiano soffre d’una bizzarra amnesia selettiva: due interi decenni di film dell’orrore sembrano essere stati cancellati. Le opere di Dario Argento, di Mario Bava ma anche quelle “minori” di Ruggero Deodato, Lucio Fulci, Antonio Margheriti, tutte dimenticate. Non c’è memoria dei grandi autori di genere degli anni 60’ e ’70, dei rappresentanti di una cinematografia “spaventosa” che, oggi, trova posto soltanto nelle collezioni private dei cinefili più “Trauma-tizzati”. Artisti geniali che all’estero (negli Stati Uniti specialmente), al contrario, da anni, vivono una seconda giovinezza, riscoperti e omaggiati da registi di culto – da Sam Raimi a Quentin Tarantino.
Una ricca tradizione da cui attingere, quindi, ma nessun epigono capace di afferrare il testimone, di unirsi a questa “Danza macabra”.
Alessandro Roja
“The End? – L’inferno fuori”, ultima fatica di Daniele Misischia, è esemplare in tal senso. Zombie movie privo di “vita”, il lungometraggio restringe lo spazio d’azione ad un singolo ambiente, un ascensore – “Devil” di John Erick Dowdle e Drew Dowdle (2010) -, luogo di prigionia del protagonista – un Alessandro Roja inadatto al ruolo. Un racconto di reclusione, con l’inferno fuori (campo) ma il gelo dentro (lo spettatore). Un film noioso, ripetitivo, ormai scontato per le generazioni post-Walking dead – Claudio e l’uccisione del poliziotto-zombie -; un film che come molti altri – “Il ragazzo invisibile” di Gabriele Salvatores (2014) –finge di non comprendere come ogni storia di genere, per funzionare – qui l’horror, là il superhero movie–, debba nutrirsi dell’humus socio-culturale del paese in cui è stata scritta – un litro di latte, un litro di latte!
Non solo, il promettente spunto iniziale dello shut in avrebbe richiesto una regia più coraggiosa, scelte stilistiche più ardite – “Buried – Sepolto” di Rodrigo Cortés (2010). Soprattutto, la sceneggiatura – orfana di una mission definita e priva d’interlocutori credibili per il protagonista – avrebbe dovuto esaltare lo scambio dialogico tra personaggi – come in “Locke” di Steven Knight (2013).
La fine dell’horror all’italiana dunque? No di certo, ma un’occasione (da non sprecare) per riflettere sulle possibilità espressive che il nostro patrimonio orrorifico può ancora offrirci.
Cindy e Mike decidono di traslocare dopo l’espulsione da scuola della figlia adolescente Kinsey. Cercando di ricomporre i cocci della famiglia, prima di raggiungere la nuova abitazione, decidono di trascorre il weekend assieme. Con il figlio maggiore Luke, partono alla volta di un complesso turistico sperduto tra boschi, dove gli zii materni hanno messo a loro disposizione un caravan in cui passare la notte. Quella che avrebbe dovuto essere una semplice vacanza, però, si trasforma presto in un gioco al massacro, quando un gruppo di psicopatici mascherati comincia a perseguitare i quattro malcapitati.
A dieci anni di distanza, esce in sala quello che, almeno nominalmente, avrebbe dovuto rappresentare il sequel del fortunato “The Strangers” di Bryan Bertino (2008) – che, in questa circostanza, si limita a co-firmare la sceneggiatura. In realtà, fin dalle inquadrature iniziali, l’opera di Johannes Roberts assume i connotati di un vero e proprio remake. Pur alterando il sottogenere di partenza, un ansiogeno home invasion – di cui “La notte del giudizio”(James DeMonaco; 2013) rimane uno degli esempi (contemporanei) più compiuti insieme a “Them” di David Moreau e Xavier Palud (2006). –, il regista inglese, mettendo in scena un survivor-movie, un last womanstanding dal sapore slasher anni ’90, ripropone la struttura narrativa dell’originale, limitandosi a introdurre nel racconto alcune piccole varianti – lo sdoppiamento dei protagonisti e dei villan.
Nonostante, come spesso accade, l’opera prima sia superiore alla copia, “Prey at Night” resta un discreto tentativo d’horror d’atmosfera. Il brumoso villaggio di caravan – che, anche senza lago, ricorda il Camp Crystal Lake di “Venerdì 13″ (Sean Cunningham; 1980) – è l’inquietante location in cui Roberts dimostra di avere compreso i meccanismi del genere -“The Other Side of the Door” (2016) –, riuscendo per larghi tratti del lungometraggio a mantenere alta la tensione – la sequenza della piscina – e procurando al pubblico qualche brivido – Dollface nel tubo di calcestruzzo.
Un momento delle riprese del film
Niente di nuovo, comunque.
A livello formale, infatti, l’autore britannico impiega gli stilemi convenzionali del genere, sopprimendo quasi completamente, però, l’apparato sonoro, in favore di una musica pop di commento che, almeno inizialmente, desta una certa curiosità – Kinsey braccata dall’uomo in maschera – ma che a lungo andare depotenzia l’effetto orrorifico.
Sul piano narrativo, invece, da una parte la pellicola sviluppa il tema del pericolo costante, scardinando la supposta invulnerabilità della vita quotidiana, una sicurezza oziosa che, ormai, siamo portati a dare per scontata –ATM – “Trappola mortale” di David Brooks (2012) –; dall’altra, grazie al potere catartico della paura, mette in scena la soluzione di un conflitto familiare attraverso un’esperienza traumatica – da notare, al riguardo, il paradossale confronto tra una famiglia “normale” disgregata e una famiglia criminale compatta (“Le colline hanno gli occhi” di Wes Craven; 1977).
Un “onesto” remake d’atmosfera, quindi, che “bussa”, timoroso, alla porta dell’horror – come Dollface a quella degli zii –, ricevendo in risposta il brusio nervoso dello spettatore che, illuminato dallo spiraglio d’oscurità dell’ingresso accostato, si agita nel buio, ma non trema.
Dopo essere stata colpita da un terremoto devastante la comunità abruzzese ha saputo imporsi e risorgere anche sul fronte della cinematografia fondando un festival di genere dedicato all’Horror. E’ ormai alla sua terza edizione l’Horror Film Festival L’Aquila e propone una selezione distante dai soliti circuiti e che presenta una selezione ricca anche se compressa in sole tre giornate che si terranno alla sala 7 del cinema Movieplex, in via Leonardo Da Vinci, dal 4 al 6 maggio 2018. Il festival è multimodale ed oltre alle proiezioni è stato allestito un horror village nel foyer del cinema dove si potranno trovare gadgets, fumetti, abiti, disegni, quadri, giochi di ruolo e altri oggetti sulla tematica del genere.
Simona Vannelli in una scena del film Notte Nuda
Ad inaugurare le proiezioni sarà il film di Lorenzo Lepori “Notte Nuda” con Pascal Persiano e Simona Vannelli, girato la scorsa estate ed appena ultimato.
Una foto del back stage di Notte Nuda
Ci saranno anche molti cortometraggi, tra cui “Menu” dello spagnolo Carlos Bigorra Badia e sono previsti incontri, laboratori e performance varie con artisti ed autori.
Chiuderà la rassegna il 6 maggio il film “Mc Better” del regista salentino Mattia De Pascali, che offre della propria terra una visione non convenzionale e carica di ironia e terrore.
Una squadra di scienziati a bordo della stazione spaziale internazionale ha il compito di recuperare la sonda di ritorno da Marte con il suo carico di campioni raccolti sul suolo del pianeta rosso. La scoperta sensazionale di una forma di vita pluricellulare si trasforma ben presto in un incubo. Come è intuibile c’è poco altro da dire ed anche quel poco che è stato detto non può che spoilerare l’esile trama di cui è fatto il film.
Photo by IBL/REX/Shutterstock Daniel Espinosa ‘Child 44’ film premiere, Stockholm, Sweden – 27 Apr 2015
Anche se il pay off lo dice chiaramente il limite è stato oltrepassato. Nonostante Daniel Espinosa sia il regista del buon “Child ’44” del 2015 (non inganni il nome ispanico: è nato a Stoccolma quarant’anni fa) e il cast non abbia nulla da farsi rimproverare (c’è persino Hiroyuki Sanada il giapponese d’ordinanza di ogni TV serie che si rispetti da “Lost” a “The Last Ship“) la sceneggiatura era evidentemente troppo “marziana” per essere salvata. In questo modo il limite dell’attenzione dello spettatore viene irrimediabilmente oltrepassato. C’è lo scienziato di colore (Aryon Bakare) che come il tale con la tutina rossa di Star Trek già sa che non vedrà i titoli di coda, c’è l’ufficiale medico riflessivo ed empatico (Jake Gyllenhaal), c’è la comandante di missione in gamba ed efficace ( tale Olga Dihovichnaya russa nel film come nella realtà che è veramente brava ed efficace come il suo personaggio e che sarebbe bello rivedere in altre pellicole), c’è l’ufficiale di quarantena (la svedese Rebecca Ferguson) con grande sensibilità ma con i suoi ordini segreti, il pilota impulsivo e rompicollo ma in che in fondo è un ottimo elemento (Ryan Reynolds, alias Deadpool, alias Lanterna Verde), non manca neppure il dilemma di chi compirà l’estremo sacrificio per salvare tutta la baracca. Insomma ci sono tutti gli stilemi di tutti gli altri film del genere che chi ha già visto non ha voglia di ripercorrere.
Ryan Reynolds
Eppure Rhett Reese e Paul Wernick sono la coppia ben collaudata di film ben riusciti come “Deadpool” e “Zombiland” ,anche se qui qualche buco e incongruenza di sceneggiatura non mancano di certo. Espinosa sa e lo dimostra nel film come creare suspense ed autentici colpi apoplettici da spavento ricalcando i cliché tipici del genere. E allora dove sta l’inghippo? Forse il problema è nell’età di chi scrive e che di questi film ne ha visti tanti, troppi e va alla ricerca di qualcosa di nuovo in un genere dove è stato detto tutto. Poi mi ricordo del recente “Arrival” di Denis Villeneuve e mi tocca spogliarmi della croce dello scettico perché è la dimostrazione evidente di come la vena della Sci-Fi è ben lungi dall’essere esplorata. In fin dei conti è un genere che per definizione si occupa di ciò che è alternativo, futuro, speculativo. Non resta quindi che attendere nuove forme di vita capaci di soggetti e sceneggiature più inedite e coinvolgenti. Nel frattempo se qualcosa di sconosciuto vi capita tra le mani, ricordatevi i sani principi appresi nei primi anni di vita, che valgono sia per il vaso Ming della zia ricca che per le meduse spiaggiate sulla battigia: non toccate.
L’associazione e compagnia teatrale le Muse Impenitenti, Marinetta Martucci e Arianna Villamaina, due attrici potentine, tornano a calcare il palcoscenico con una nuova esilarante ed originalissima commedia: Come lo zucchero per il caffè – ‘‘O Teatro è ‘o paese d’ ’o vero. Una commedia divertente e con performance di danza fuori le righe, che ci trasporta in un musical vero e proprio per poi allietare il pubblico con una sorpresa golosa. Lo spettacolo è un contenitore di arte a tutti gli effetti ed è un inno alle mille sfaccettature che in essa sopravvivono.
